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王老师敲重点：
天津音乐学院25年初试改革了！具体情况如下：
专硕：艺术管理原来考英语一，属于学硕。考：项目策划案➕中西方音乐史，现在艺术管理考英语二，划分到了专硕，所有专硕（除作曲这种的）都基本是考和声曲式➕中西方音乐史。
学硕：初试原来考方向主课+作品分析（不考和声），复试考论文写作+音乐学基础（中、西音乐史、传统音乐、音乐美学，任选2门）。现在初试考612音乐学综合基础+和声曲式（多了一门和声），复试考专业主课+论文写作。
612音乐学综合基础包括中国音乐史（40分）、西方音乐史（40分）、中国传统音乐（40分）、音乐美学（30分）。原来复试的科目，放在了初试。选考变成了必考。
虽然考的科目多了，但是难度没有增大。参考书各一本，都是考最基础的内容。而且肯定很多考生换学校。同时，院校改卷也会放水！
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2025年【天音612音乐学综合基础】真题解析！
名词解释（每个5分）
1.缪天瑞
缪天瑞是中国著名音乐学家、音乐教育家、音乐翻译家、音乐编辑家。他在音乐理论研究领域贡献巨大。缪天瑞长期致力于音乐辞书编纂工作，主编的《中国音乐词典》等辞书是中国音乐界重要的工具书。在音乐教育方面，他培养了众多音乐人才。其音乐翻译成果丰硕，将许多国外先进的音乐理论著作引入中国，促进了中外音乐文化的交流。缪天瑞对中国古代音乐史也有深入研究，为挖掘和传承中国传统音乐文化尽心尽力。他的工作和成就推动了中国音乐学术的进步，在音乐界有着深远的影响。
2.序列主义音乐
序列主义音乐是20世纪的一种作曲技法和音乐风格。它的核心是将音高、节奏、音色、力度等音乐要素按照一定的顺序进行排列组合。最初是勋伯格的十二音序列，把半音音阶中的12个音按照特定顺序排列，构成序列核心，并且在作品中重复、变形使用这个序列，以此来避免传统调性音乐的中心音。之后，序列的范围扩展到节奏等其他要素，使音乐的各个维度都被序列化。这种音乐风格打破了传统的音乐结构和听觉习惯，具有高度的理性和组织性，作品往往呈现出复杂、抽象的特点，像布列兹等作曲家的一些作品体现了序列主义音乐的风格，对现代音乐的发展产生了深远的影响。
3.法国游吟诗人
法国游吟诗人是中世纪法国的一个重要群体。他们出现在11世纪末至13世纪。这些游吟诗人身份多样，包括贵族、骑士以及一些有才华的平民。他们身背乐器，云游四方，在宫廷、城堡、城镇的广场等各处吟唱。其歌曲内容丰富，主要有爱情主题，用细腻的情感描绘对贵妇的爱慕，如《破晓歌》展现情人清晨分别的不舍；还有关于战争、骑士精神的内容，歌颂骑士的英勇事迹。在音乐形式上，采用了当时的民间音乐元素，旋律简单动听，常为单声部，有简单的乐器伴奏，对法国乃至欧洲的世俗音乐发展起到了巨大的推动作用。
4.四大名旦
“四大名旦”是指京剧旦角行当中四位杰出的艺术家，分别是梅兰芳、程砚秋、荀慧生、尚小云。梅兰芳的表演风格综合了青衣、花旦、刀马旦的表演方式，形成独特的“梅派”艺术。他的唱腔圆润甜美，动作典雅大方，代表作有《贵妃醉酒》。程砚秋创立“程派”，唱腔幽咽婉转、跌宕起伏，注重通过表情和身段来表现人物的内心情感，如《锁麟囊》。荀慧生是“荀派”创始人，其表演活泼灵动，唱腔娇婉柔美，善于塑造天真活泼的少女形象，代表剧目为《红娘》。尚小云为“尚派”，风格刚健婀娜，唱腔宽亮，动作幅度较大，以《昭君出塞》为经典。他们推动京剧旦角艺术达到了新高度。
5.京韵大鼓
京韵大鼓是中国北方曲艺的一种。它主要流行于北京、天津等地区。京韵大鼓的前身是木板大鼓，后经改革发展而来。在表演形式上，演员自击鼓、板进行说唱。其唱腔属于板腔体，有慢板、快板等多种板式。慢板舒展悠扬，快板则节奏紧凑、一气呵成。京韵大鼓的旋律具有浓郁的北京地方特色，既高亢激昂又婉转细腻。内容大多是长篇故事，像三国、水浒等题材，通过演员绘声绘色地讲述，让听众沉浸其中。代表人物有刘宝全，他对京韵大鼓的唱腔、表演等诸多方面进行创新，使这一艺术形式更加成熟，深受广大群众喜爱。
6.原样表演
“原样表演”（liveness）是当代文化研究和表演艺术领域的一个概念。在音乐表演方面，原样表演强调在现场演出时尽可能原汁原味地呈现音乐作品。这意味着表演要最大程度地贴近作品最初的创作意图，无论是音符、节奏，还是演奏风格。例如在古典音乐演奏中，音乐家要按照作曲家标记的速度、力度等要求进行演奏，避免过度的个人化改编。在舞蹈等表演形式中，原样表演要求舞者精准地呈现舞蹈作品原本的动作、队形以及情感表达等要素。它注重作品的本真性，在一定程度上维护了经典作品的传统风格，同时也为观众提供了一种直接接触原始艺术创作的体验方式。
7.音乐的特殊性
音乐的特殊性主要体现在几个方面。首先，从存在形式看，音乐是一种时间艺术。它通过音符在时间的流动中展现，不像绘画等空间艺术能瞬间被把握整体，音乐必须在时间进程里感知。例如一首交响曲，从序曲到高潮再到尾声，依时间顺序展开。其次，音乐具有非语义性。它不像语言能精准表述具体事物，其表达抽象模糊，同一首音乐在不同人听来感受不同。如贝多芬的《命运交响曲》，有人听出抗争的力量，有人感受到生命的不屈。再者，音乐的情感表达直接。它不需要中间媒介转换，就能将喜、怒、哀、乐等情绪直接传递给听众，引发共鸣。
8.山曲
山曲是一种流行于山西西北部和陕西北部等地区的汉族山歌。山曲的歌词一般多为上下句结构，上句起兴，下句点题，语言简洁生动且富有地方特色。其内容大多是反映劳动人民的生活和情感，尤其是爱情主题最为常见。例如，许多山曲歌词直白地表达了青年男女之间的相思、爱慕之情。在旋律方面，山曲的曲调高亢嘹亮、悠长舒展。它的音域比较宽广，旋律起伏较大，节奏比较自由，具有浓郁的山野风格。演唱形式多为独唱或者对唱，在对唱时，双方歌手你来我往，通过歌声互相交流情感，充分展现了当地人民质朴、豪放的性格。
简答题（每个10分）
1.古琴的形制以其记谱法的演变
古琴是中国古老的弹拨乐器，其形制与记谱法经历了漫长的演变过程。古琴的形制在历史上逐渐完善。最初的古琴样式相对简单，随着时间推移，发展出多种不同的款式，如仲尼式、伏羲式等。琴身各部分构造精巧，琴面为弧形，底板平整，有七根弦，琴上有徽位用于确定音高位置，其岳山、龙龈等部件也都经过精心设计，以保证发音的良好效果和演奏的便利性。
在记谱法方面，从早期的文字谱逐渐演变为减字谱。文字谱详细记录了古琴演奏的指法、弦位、徽位等信息，但过于繁琐。减字谱则通过将文字谱简化组合成独特的减字符号，极大地方便了古琴曲的记录与传承。例如《碣石调·幽兰》是现存最早的文字谱琴曲，而减字谱的出现使得更多的古琴曲得以流传后世，众多琴人能够依据减字谱学习和演奏经典曲目，如《梅花三弄》《流水》等。总之，古琴的形制演变体现了古代工艺的精湛与审美追求，记谱法的发展则为古琴音乐的传承和传播提供了有力保障，二者共同促进了古琴艺术的传承与发展，使其成为中国传统音乐文化中独特而璀璨的明珠，承载着丰富的历史文化内涵，在千百年的岁月中流传至今，并持续散发着独特的艺术魅力。
2.比较《霸王卸甲》与《十面埋伏》
《霸王卸甲》和《十面埋伏》均为中国古代琵琶武曲中的经典之作，二者存在诸多异同点。
从题材上看，两者都取材于楚汉相争，但侧重点不同。《十面埋伏》着重描绘刘邦的汉军以十面埋伏战术击败项羽的激烈战斗场景，尽显胜利的宏大与磅礴；《霸王卸甲》则更多从项羽的视角出发，展现其英雄末路的悲壮与凄凉。在音乐风格上，《十面埋伏》节奏紧凑、旋律跌宕起伏，多运用快速的扫弦、轮指等技巧，营造出紧张、激烈、金戈铁马的战斗氛围，充满阳刚之气；而《霸王卸甲》虽也有激烈段落，但更注重情感的抒发，旋律相对较为深沉、悲壮，尤其是表现项羽悲歌别姬等情节时，更具抒情性与悲剧色彩。
从演奏技巧上，《十面埋伏》技巧丰富且复杂，对琵琶的表现力要求极高，各种高难度指法频繁出现，以呈现战争的复杂性；《霸王卸甲》同样技巧性强，但在一些慢板段落，更强调音色的控制和情感的细腻表达。
总体而言，《十面埋伏》以其磅礴的气势展现战争胜利的豪迈，《霸王卸甲》则以深沉的情感塑造了项羽的悲剧英雄形象，它们从不同角度反映了楚汉相争这一历史事件，在琵琶艺术中各放异彩，成为中国传统音乐文化中的瑰宝，让后人通过音乐领略到那段波澜壮阔的历史画面与人物的悲欢离合。
3.简答五四时期的歌曲创作特点
五四时期的歌曲创作具有鲜明的特点。
首先，在题材内容上， 紧密围绕时代主题。许多作品反映了当时的社会现实，如反对封建礼教、倡导民主科学、呼吁民族觉醒等。像《五四纪念爱国歌》，直接表达了青年学生对国家命运的关切和对爱国精神的弘扬，激发了民众的爱国热情和社会责任感。
其次，在音乐风格上，呈现出中西融合的趋势。一方面借鉴西方的作曲技法，如和声、曲式结构等，使歌曲的表现力更加丰富；另一方面融入中国传统音乐元素，像五声音阶、民族调式等，增强了歌曲的民族风格。例如萧友梅的作品，在运用西方音乐理论的基础上，也能体现出一定的民族韵味。
再者，歌曲的创作者群体不断壮大，既有专业的音乐家，也有广大的知识分子和进步青年。他们通过歌曲创作来传播新思想、新文化，歌曲的传唱范围广泛，不仅在学校、知识分子群体中流传，也在普通民众中产生影响，成为推动社会变革的有力工具。此外，歌曲的形式多样，有合唱、独唱、齐唱等多种形式，以适应不同的演唱场合和表达需求。
总之，五四时期的歌曲创作以其独特的时代特征，在音乐史上留下了浓墨重彩的一笔，为中国现代音乐的发展奠定了基础，也为唤醒民众、推动社会进步发挥了重要作用。
4.简答格鲁克与其正歌剧改革
格鲁克是18世纪著名的歌剧作曲家，他对正歌剧进行了意义深远的改革。
在格鲁克所处的时代，正歌剧逐渐变得僵化。他致力于改变这种状况。
在音乐与剧情的关系上，格鲁克强调歌剧音乐应服从戏剧情节。以前的正歌剧常常为了展示歌唱家的演唱技巧而使剧情停滞，他则让音乐紧密配合剧情发展，避免无意义的炫技段落。例如在他的歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》中，音乐始终随着故事中奥菲欧拯救妻子的情节而推进，没有多余的华彩乐段干扰剧情。
在歌剧的结构方面，格鲁克简化了歌剧的序曲，让序曲成为歌剧主题的预示。以往复杂冗长的序曲被简洁且有指向性的音乐取代，使序曲与歌剧主体更好地衔接。同时，他减少了咏叹调与宣叙调之间的明显界限，让两者过渡更加自然流畅，使歌剧的整体结构更加连贯统一。
在乐队的运用上，格鲁克提升了乐队的地位。乐队不再仅仅是简单的伴奏，而是能够参与剧情的渲染，增强了歌剧的表现力。如在一些紧张的情节场景中，乐队通过强烈的节奏和和声来烘托气氛。格鲁克的正歌剧改革对后世歌剧的发展产生了深远的影响，为歌剧的现代化进程奠定了坚实的基础，让歌剧更符合艺术的本质和观众的审美需求。
5.简答柏辽兹的标题音乐创作
柏辽兹是标题音乐的重要倡导者和创作者。
在创作理念上，柏辽兹认为音乐应该能够描绘具体的场景、故事或情感。他打破传统纯音乐的局限，通过标题来引导听众理解音乐的内容。例如他的《幻想交响曲》，副标题是“一个艺术家生涯中的插曲”，乐曲详细描绘了一位艺术家从失恋后的绝望，到在舞会、田野等场景中依然被回忆纠缠的情感历程。
柏辽兹还在配器上展现出卓越的才能。他充分发挥了管弦乐队各乐器组的特性，创造出丰富多样的音色效果来描绘不同的场景。在《幻想交响曲》的“赴刑进行曲”中，通过沉重的低音鼓和阴森的铜管乐器组合，生动地营造出赴刑场时压抑、悲壮的氛围。
他的标题音乐创作拓宽了音乐的表现力，为浪漫主义时期的音乐创作开辟了新的道路，使音乐能够像文学作品一样讲述故事、表达复杂的情感，让听众更加直观地理解音乐作品所蕴含的内容。
6.简答新古典主义的音乐特点
新古典主义音乐是20世纪重要的音乐流派，具有以下特点。
在音乐观念上，新古典主义追求回归古典主义时期的美学原则。它反对浪漫主义后期音乐的过度情感化和标题性，主张音乐的客观性和逻辑性。像斯特拉文斯基的部分作品，摒弃了浪漫主义的情感宣泄，强调结构的清晰与平衡。
在曲式结构方面，新古典主义倾向于使用传统的曲式，如古典时期常见的奏鸣曲式、回旋曲式等。不过，这并非简单的复古，而是在传统结构基础上进行创新。例如，在一些作品中，虽然保留了奏鸣曲式的框架，但在主题发展和内部结构的细节处理上会有新的变化。
在旋律方面，新古典主义音乐的旋律相对简洁，避免了浪漫主义音乐中那种悠长、抒情的旋律线条。节奏更加规整、清晰，并且常带有机械性的特点，强调节奏的动力作用。 和声运用也有变化。它减少了浪漫主义音乐中常见的复杂、浓重的和声，更多地使用较为简单、清晰的和声配置，甚至会采用类似古典时期的和声进行，但也会融入一些现代的不协和音来增加音乐的紧张感和色彩变化。
新古典主义在配器上，注重发挥乐器的音色特点，不过分追求庞大的管弦乐队编制，有时会采用小型乐队组合来获得更纯净、透明的音色效果，以达到简洁而精致的音乐表达。这种音乐流派在20世纪音乐发展历程中独树一帜，为音乐的现代化和多元化发展做出了贡献。
7.简答中国传统音乐体系的几个论点
中国传统音乐体系具有独特论点：
音体系独特：以五声音阶为基础，宫、商、角、徵、羽是核心音级，如《彩云追月》就以五声音阶营造出空灵意境。虽也有七声音阶等形式，但五声音阶应用广泛，且有“三分损益法”等独特音律观念，与西方十二平均律形成差异，造就了中国音乐独特的音高美感。
节奏灵活多变：既存在规整节拍，如民间歌舞音乐常用的二拍子、四拍子，便于众人整齐舞蹈；又有自由的散板，像古琴曲中，演奏者根据心境和意境自由把控节奏，使音乐张弛有度，充满灵动性，体现出节奏与情感表达的紧密结合。
旋律线状思维：注重旋律线条的连贯与起伏，通过细腻的旋律变化传递情感。如江南丝竹，各乐器以优美婉转的旋律交织，层层推进，较少有西方音乐中强烈的对比和跳跃，展现出中国式的含蓄、绵延之美。
文化关联性强：与传统文化紧密相连，从诗词、绘画中汲取灵感，如古曲《阳关三叠》源自王维的诗，借音乐传递离情别绪；同时在民俗活动中扮演重要角色，婚丧嫁娶、节日庆典都有特定音乐，承载着民众的情感与文化记忆，成为传统文化的鲜活载体。
8.简答戏曲音乐的分类方法
戏曲音乐主要有以下几种分类方法：
一、按声腔分类。声腔是戏曲音乐的核心要素，不同的声腔具有独特的旋律、风格和演唱方式。例如昆腔，它的特点是典雅细腻、婉转悠扬，有严格的格律和规范，如《牡丹亭》就采用昆腔演唱；高腔以其“一唱众和”的帮腔形式为显著特点，演唱高亢激越，川剧高腔就很有代表性；梆子腔的特点是节奏鲜明、音调高亢，常用枣木梆子击节，像秦腔的梆子腔，声音极具穿透力。
二、按地域分类。由于地理环境、语言文化等因素的影响，不同地区的戏曲音乐风格各异。北方戏曲如京剧，音乐风格大气磅礴、刚健有力，融合多种腔调形成了一套完整的音乐体系；南方戏曲如越剧，音乐则比较柔美、抒情，吴侬软语的演唱风格使其具有江南水乡的温婉气质，其曲调清新婉转。
三、按剧种分类。中国有众多戏曲剧种，每个剧种都有自己专属的音乐。如黄梅戏的音乐富有民歌风味，其曲调简单易学，《天仙配》的旋律轻松愉快、朗朗上口；豫剧音乐风格质朴，具有浓郁的中原文化特色，唱腔酣畅淋漓。
四、按表演形式分类。可以分为演唱部分和器乐伴奏部分。演唱包括独唱、对唱、合唱等多种形式，用于表达剧情和人物情感。器乐伴奏则起着烘托气氛、配合表演节奏的作用，如打击乐控制节奏，管弦乐渲染情绪等。
9.简答江南丝竹乐种的特点以其代表作品
江南丝竹是中国传统器乐丝竹乐种之一，具有鲜明的特点。
在乐器组合方面，主要由丝弦乐器和竹管乐器构成，如二胡、琵琶、扬琴等丝弦乐器与竹笛、笙等竹管乐器相配合。这种组合使音乐音色细腻、柔和。从音乐风格来讲，江南丝竹风格清新、雅致、婉转。其旋律优美流畅，线条柔和，像涓涓细流一般。 在演奏中，注重各个乐器之间的配合，通过巧妙的加花、润饰等手法，让音乐听起来和谐而富有层次感。并且节奏较为平稳、舒缓，给人以轻松愉悦之感。
在演奏形式上，江南丝竹以合奏为主，常见的演奏场合包括民间的婚丧嫁娶、节日庆典以及文人雅士的聚会等。 演奏时，乐手们相互配合，既有统一的音乐情绪表达，又能凸显各个乐器的特色。
江南丝竹的代表作品有《欢乐歌》，这是一首非常经典的乐曲。它采用了江南丝竹典型的循环结构，各个乐器以主题旋律为基础，进行变奏和加花。乐曲开始节奏较为平稳，随着演奏的推进，情绪逐渐高涨，旋律更加丰富，充分展现了江南丝竹清新明快、热情洋溢的特点。还有《中花六板》，它是在民间乐曲《老六板》的基础上放慢加花而成，曲调悠扬婉转，极具江南水乡的婉约气质。
10.简答萝卜青菜各有所爱的音乐审美原则
“萝卜青菜各有所爱”体现了音乐审美中的多元性原则。
从审美主体来看，不同的人有着不同的生活经历、文化背景和性格特点。例如，一个在乡村长大的人可能对具有浓郁乡土气息的民间音乐情有独钟，因为这些音乐能唤起他儿时的记忆，像劳动号子、山歌等，那种质朴的情感和贴近自然的风格让他感到亲切。而一个长期接受古典音乐教育的人，可能更倾向于欣赏贝多芬、莫扎特等作曲家的交响乐，他们沉醉于古典音乐严谨的结构、丰富的和声和细腻的情感表达。
在审美对象方面，音乐作品本身风格多样。流行音乐节奏明快、歌词通俗易懂，容易引起年轻人的共鸣，能帮助他们释放情绪、表达自我；而传统民族音乐承载着特定的历史文化内涵，其独特的音阶、节奏和演奏方式吸引着对传统文化感兴趣的人。宗教音乐则以其庄严、神圣的氛围，使信徒在聆听中获得精神上的慰藉。
这种审美原则也意味着在音乐评价中没有绝对的标准。我们不能简单地判定某种音乐风格高于其他风格。每种音乐都有其存在的价值，无论是简单的儿歌还是复杂的现代派音乐作品，都可以在各自的受众群体中找到欣赏者，人们可以根据自己的喜好自由地选择和欣赏音乐。
11.简答音乐欣赏的的几种形式与其功能
一、纯音乐欣赏形式:这是一种专注于音乐本身的欣赏方式，听众将注意力集中在旋律、和声、节奏、音色等音乐要素上。例如在欣赏古典交响乐时，仔细聆听各个乐器组的交织与对话。其功能在于能提升听众的音乐感知能力，深入理解音乐的内在结构与艺术价值，培养对音乐的审美鉴赏力。
二、结合背景知识的欣赏形式:在欣赏音乐过程中，了解作品的创作背景、作曲家的生平、创作意图等信息。比如知道贝多芬在失聪的情况下创作《命运交响曲》，就能更好地理解作品中蕴含的与命运抗争的精神。这种形式有助于听众更深刻地体会音乐所表达的情感和思想，使欣赏不局限于表面的声音感受，而是深入作品的内涵。
三、参与式欣赏形式:像参加合唱、乐器演奏等音乐活动来欣赏音乐。以合唱为例，参与者既能感受整体音乐的和声之美，又能通过自身演唱融入其中。这种形式能增强听众对音乐的体验感，拉近与音乐的距离，还能培养团队协作精神，释放情感，并且通过亲身实践更好地理解音乐作品的创作难度和艺术魅力。
这些音乐欣赏形式都可以帮助人们放松身心、缓解压力，同时还能丰富情感世界、提高文化素养，让人们在音乐的海洋中获得愉悦和启发。